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Victor Rebullida

"LA GRAN VIA"

"LA GRAN VIA"

El encuentro casual de Chueca con Felipe Pérez y González, autor teatral y periodista, está en el origen de una de las más famosas obras producidas en el género chico: la revista cómico-lírica-fantástica-callejera en un acto y cinco cuadros La Gran Vía. Se estrenó en el recién construido Teatro Felipe el 2 de julio de 1886. Con dirección de Ricardo Miralles y escenografía de Busato, presentaba el su primer cuadro el diálogo de las calles, plazas, salones de baile y personajes castizos, que se rebelan contra el anunciado parto de Doña Municipalidad, quien piensa dar a luz una Gran Vía que cambiará por completo la fisonomía de Madrid con la destrucción de muchas callejuelas del viejo Madrid. El segundo cuadro incluía la participación de tipos extraídos del día a día: rateros y guardias y muchachas de servicio entre otros. El resto de la obra incluye la personificación de diversos monumentos, edificios y lugares del Madrid de 1886.

No toda la música de la Gran Vía era original. Siguiendo su costumbre, Chueca recuperó algunas composiciones que conservaba a modo de apuntes. A pesar de ésto, el éxito de la obra fue rotundo y llegó a alcanzar en Madrid más de 400 representaciones consecutivas en 4 temporadas. Sólo dos años después algunas de las muchas representaciones que recorrieron toda Europa despertaron los elogios más encendidos del filósofo alemán Friedrich Nietzsche, que la exaltó como una pieza dramático-musical de gracia y color insuperables, y el compositor francés Camile Saint-Saens tras una representación dijo  sorprendido: "¿Y a esto le llaman ustedes Género Chico?"

CARMEN PARIS EN "LA GRAN VIA"

CARMEN PARIS EN "LA GRAN VIA"

A final de mes llega a la plaza de toros de Zaragoza la zarzuela "La Gran Via" protagonizada por conocidos cantantes y bailarines cuya dedicación habitual no es precisamente el canto lírico o la música clásica, aunque Carmen París sí tiene formación y ha tocado todos los palos con acierto, calidad y buen gusto.

Dos representación, una en Madrid y otra en Zaragoza, son el fruto de la colaboración entre ambos ayuntamientos. Dos representaciones que considero insuficientes pues, aun a sabiendas del costo económico que supone un montaje de este tipo ("El espectáculo, [...] ha tenido un presupuesto de 360.000 euros" -El País 10/5/06-) y la dificultad de hacer coincidir en fechas a todas las figuras que la interpretan, el éxito está asegurado y aquí podría asegurar que el llenazo será absoluto. Sería indispensable "rentabilizar" culturalmente el esfuerzo de preparar un espectáculo de estas dimensiones.

Subrayaré que si bien en Zaragoza el acceso a la plaza de toros es previo pago de entrada, los madrileños pudieron disfrutar de este montaje gratuitamente. ¿Por qué esta desigualdad si es una producción conjunta Madrid-Zaragoza?

Aunque se me tilde de perezoso, no escribo más y copio nuevamente el artículo aparecido hoy en Heraldo de Aragón y en el que se explica con todo detalle el asunto. La foto es de Angel Cidoncha durante la representación en la plaza Mayor de Madrid.

HERALDO. Zaragoza : Pasión Vega, Carmen París, Rafael Amargo y Javier Gurruchaga son las principales estrellas de un montaje que ha dirigido Helena Pimenta de "La Gran Vía" de Chueca. El espectáculo, del que se hizo una representación única y gratuita en la plaza mayor de Madrid el pasado 13 de mayo, se presentará en la plaza de toros de la Misericordia el 28 de septiembre a partir de las 21 horas. Las entradas, que podrán adquirirse a partir del viernes en los cajeros automáticos CAI y en la web www.cai.es, tendrán un precio único, tanto en grada como en los asientos en el ruedo, no numerados, de 15 euros más gastos de gestión.

Representada una vez en Madrid

Este montaje de "La Gran Vía" de Chueca es una producción del Ayuntamiento de Madrid, en colaboración con el Consistorio de Zaragoza.

Helena Pimenta dirige esta propuesta, con la adaptación de Yolanda Pallín y la dirección de orquesta de Luis Remartínez. Para contar estas historias de las calles de Madrid, Javier Gurruchaga es "la autoridad"; Pasión Vega es La Menegilda; Carmen París es doña Virtudes; el cubano Raúl Paz, el caballero de Gracia; el paseante es el actor Israel Elejalde; el bailaor Rafael Amargo es el "espíritu de las ratas" y el músico Enrique Heredia "Negri" (ex componente de La Barbería del Sur), una de las ratas.

En la presentación del espectáculo el pasado mes de mayo, Carmen París, afincada en la capital de España, aseguraba que "a mi personaje le pongo el carácter aragonés y la influencia madrileña". La artista canta e interpreta en este montaje, y es la única de todo el plantel que cuenta con experiencia previa en zarzuela, además de haber hecho también teatro hace años en Zaragoza. "Musicalmente no hay arreglos, pero se actualiza la obra porque cada uno canta como es. Me reconoceréis tal cual", aseguraba Carmen París.

"La Gran Vía" es una de las piezas fundamentales de la zarzuela española, pero el montaje y puesta en escena de Helena Pimenta es totalmente innovador, no sólo desde el punto de vista técnico, sino sobre todo por la variedad de artistas que forman parte del equipo.

"Posee esta pieza una estructura abierta de escenas articuladas en torno a la actualidad del Madrid de la época -relata Helena Pimenta-. La anécdota es muy sencilla: las calles y plazas de Madrid, por medio de un recurso mágico-teatral, se manifiestan en contra de la construcción de la Gran Vía, que según todos los indicios va a ser dada a luz por Doña Municipalidad. El parto se retrasa y, entretanto, paseamos por la capital y conocemos a algunos de sus habitantes más singulares. La corrupción, el autoritarismo, la estupidez de algunos responsables políticos, las desigualdades sociales, son denunciadas con enorme descaro y frescura". Y añade la directora: "Madrid sueña, sin embargo, con el mar, con la valentía propia de los toreros, con un teatro vivo, con una fiesta popular en la que bailen `criadas y horteras´, gentes de toda cultura y condición, al son de un chotis. El parto de la Gran Vía se retrasa y Madrid sigue soñando con una ciudad invivible".

Helena Pimenta cumple ahora veinte años como directora y, en estas dos décadas, ha cosechado los galardones más importantes de la especialidad, desde el Premio Nacional de Teatro en 1993, al de la Asociación de Directores de Escena a la mejor dirección en 1996. Dirige desde 1987 la Escuela de Teatro de Rentería, que fundó.

MIGUEL ANGEL BERNA: UNA IMPORTANTE CARRERA

MIGUEL ANGEL BERNA: UNA IMPORTANTE CARRERA

Transcribo a continuación la noticia aparecida en Heraldo de Aragón (14/9/06) informando de los próximos proyectos del bailarín Miguel Angel Berna al que deseamos muchos éxitos y muchos trabajos como estos que le den a conocer fuera de Aragón y de España.

La foto es del espectáculo "Mudéjar" y está realizada por Jess Vallinas.

R. C. L. : El bailarín y coreógrafo zaragozano Miguel Ángel Berna ha recibido una invitación de la gran bailarina italiana Carla Fracci para interpretar dos papeles en las coreografías "El sombrero de tres picos" y "Pavana para una infanta difunta", que ella misma bailó en su día junto a no menos grande bailarín español Antonio Gades.

En "El sombrero de tres picos", Berna asumirá el rol del molinero (el tío Lucas), que según el mismo explica es "un personaje de carácter fundamentalmente", lo que significa que la expresividad del intérprete es fundamental. "No querían un bailarín de corte flamenco, sino algo más particular", indica Berna, que conoció a Fracci en Cuba hace un par de años.

"A mí me atrae hacer `El sombero de tres picos´ porque tiene más de jota que música andaluza, y viene bien como reivindicación del resto del folclore de España, que no es sólo flamenco", comenta Berna.

"El sombrero de tres picos" fue fruto del encuentro en Madrid del músico español Manuel de Falla y el empresario ruso Sergei Diaghilev, que estaba en la ciudad con sus famosísimos Ballets Rusos. Ambos hablaron de la posibilidad de realizar una pieza inspirada en la obra de Pedro Antonio de Alarcón del mismo título, escrita en 1874.

El argumento gira en torno a un humilde molinero, casado con una bella joven a la que pretende un libidinoso corregidor. Tras unos cuantos enredos, la pareja consigue escarmentarlo y el corregidor acaba humillado y manteado por los vecinos del pueblo.

Una jota de Fuendetodos

"El sombrero de tres picos" obra se cierra precisamente con una jota aragonesa, para cuya composición Manuel de Falla sacó la inspiración directamente de Fuendetodos, pueblo natal de Goya, donde el pintor Ignacio Zuloaga lo había invitado a pasar unos días. Allí, Falla tomó buena nota de lo que cantaban y bailaban los lugareños en las fiestas.

El montaje que Berna protagonizará en febrero en la Ópera de Roma se inspira directamente en el montaje original, con coreografía de Léonide Massine (que interpretó el papel del molinero) y vestuario y escenografía diseñados por el mismísimo Pablo Picasso.

La otra pieza que bailará Berna con el Ballet de la Ópera de Roma es la "Pavana para una infanta difunta" que, sobre música de Maurice Ravel, coreografío Beppe Menegatti hace varias décadas para que fuese interpretada por su esposa, Carla Fracci, junto a Antonio Gades.

Para poder participar en estos montajes, Miguel Ángel Berna tendrá que salir inmediatamente hacia la capital italiana el 18 de diciembre, un día después de haber terminado sus funciones en el Teatro Principal de Zaragoza, donde presentará con Carmen París el espectáculo "Savia nueva", que se estrenó en Madrid y llegará a la capital aragonesa en un montaje ampliado que incluye un cuerpo de baile, el de su compañía, que es residente del Principal.

Gala televisada

Pero, antes de partir para Roma, Miguel Ángel Berna tendrá una nueva oportunidad de lucimiento ante toda España. El artista aragonés es uno de los muchos que participan en las dos galas con que el madrileño Teatro de la Zarzuela celebra su 150 aniversario.

Las dos actuaciones tendrán lugar los días 10 y 13 de octubre, y aunque las entradas para la primera de ellas están ya agotadas será posible disfrutar viéndola gracias a la transmisión televisiva que Televisión Española hará previsiblemente en directo, por La Primera.

Para estas galas, Miguel Ángel Berna ha preparado una coreografía propia que él mismo interpretará. "Luis Olmos (el director del Teatro de la Zarzuela)" me encargó preparar algo con la música de `La bruja´, de Chapí", comenta Berna.

Aunque al principio se había previsto organizar un único concierto para celebrar el 150 aniversario del Teatro, la gran cantidad de artistas deseosos de participar hizo que Olmos se plantease la posibilidad de ofrecer dos, como finalmente ha sido. Cantantes de la talla de Carlos Álvarez, María Bayo o el también aragonés Carlos Chausson, entre otros muchos, se han unido desinteresadamente a este cumpleaños, que tendrá como director musical al maestro Miguel Roa y al propio Luis Olmos como director escénico.

A este acontecimiento, que en palabras de Olmos serán de enorme "versatilidad visual y muy dinámico", se ha invitado a los Reyes de España.

No es la primera vez que Miguel Ángel Berna presta su colaboración a Olmos, ya que la pasada temporada se ocupó de coreografiar la zarzuela "La boda de Luis Alonso" (con música de Gerónimo Giménez y libreto de Javier de Burgos), una producción que se estrenó en el mes de junio.

COMIENZAN LOS CONCIERTOS EN EL AUDITORIO "EDUARDO DEL PUEYO"

COMIENZAN LOS CONCIERTOS EN EL AUDITORIO "EDUARDO DEL PUEYO"

Ya ha sido presentada la programación que se desarrollará hasta final de este año en el Auditorio Eduardo del Pueyo del Conservatorio Superior de Música de Aragón. Una programación, como la de la pasada temporada en el primer año de vida del centro en su nueva ubicación, diversa, interesante y de calidad. Más adelante irán cerrando el resto de actuaciones que llenarán la sala hasta entrado el verano de 2007.

En un tiempo en el que parece que toda la información pasa por la red y que todo o todos los que no estén en internet no existen, y considerando la inmensa utilidad de esta presencia por su rápidez de acceso, capacidad de actualización y universalidad, quiero destacar la nueva página web de este Auditorio en la que figura una ámplia, clara y bien estructurada información de todo lo concerniente al recinto y sus contenidos.

Los conciertos programados son los siguientes y, como he dicho, en la página web del Auditorio www.auditorioeduardodelpueyo.es se puede encontrar la información sobre cada uno de ellos así como los precios y formularios para la captación de socios. 

              • Wim Mertens (28 septiembre)
              • Al Ayre Español  (6 octubre)
              • Aziza Mustafa Zadeh  (22 octubre)
              • Jocelyn Pook Ensemble  (31 octubre)
              • Al Ayre Español  (11 noviembre)
              • The Callino Quartet  (29 noviembre)
              • Felicity Lott y Graham Johnson  (14 diciembre)

PROGRAMA DE LAS XXVI JORNADAS INTERNACIONALES DE CANTO CORAL "CIUDAD DE BORJA"

PROGRAMA DE LAS XXVI JORNADAS INTERNACIONALES DE CANTO CORAL "CIUDAD DE BORJA"

Adelantaba en este blog unos artículos que el filipino Jonatán Velasco, con el coro "Ateneo de Manila College Glee Club" del cual es director invitado, iba a ser el profesor encargado de impartir el curso que tendrá lugar durante la celebración de las XXVI Jornadas Internacionales de Canto Coral en Borja (Zaragoza). Pues bien, ya se conoce qué coros y en qué fechas desfilarán por Borja prodigando su arte, el de los autores interpretados y la simpatía que siempre acompaña a los coralistas de cualquier rincón del mundo, y también el contenido del curso de Velasco que no incluí en el artículo mencionado.El tema principal del XXVI Curso de Dirección de Coros será la música coral filipina trabajándose a lo largo del mismo los temas siguientes:

1.Folklore filipino arreglado para coros mixtos

2.Música Sacra Filipina

3.Música Coral sobre Ritmos Indígenas del Sudeste Asiático

4.Meditaciones: Asia es el lugar ideal para la meditación, hay sorprendentemente un buen número de música compuesta para ello. Esto sucede especialmente en Filipinas, específicamente en el Asian Institute for Liturgy and Music, dirigido por el compositor y músico Francisco Feliciano. Este workshop introduce en la sobras producidas por este instituto, que incluye composiciones y textos escritos por estudiantes procedentes de todo Asia.

El programa de conciertos de las XXVI Jornadas Internacionales de Música Coral "Ciudad de Borja" es el siguiente:

3 Noviembre:  TALLINN MUSIC HIGH SCHOOL (Estonia)

4 Noviembre:  MIKROKOSMOS (Francia)

5 Noviembre:  ENSAMBLE VOCAL PEÑALOSA (Suiza)

10 Noviembre: CORALIA DE PUERTO RICO (Puerto Rico)  

11 Noviembre: EL LEON DE ORO (Asturias)12 Noviembre: ATENEO CHAMBER SINGERS (Filipinas)

Resulta altamente prometedor este abanico de coros y me gustaría destacar la presencia del joven y afamado coro de Luanca, "El León de Oro" (www.elleondeoro.com), ganador contundente del VIII Gran Premio Nacional 2006 de canto coral celebrado este año en Ejea de los Caballeros en cuyo XXXVI Certamen Coral que tuvo lugar el año anterior se había llevado el primer premio que le daba derecho a participar junto a los mejores en el citado Gran Premio.

La fotografía que acompaña este artículo es de "El León de Oro" durante su actuación en el Certámen de Habaneras de Torrevieja (Alicante) del pasado 2005.

III SALON ARAGONES DEL COMIC Y LA ILUSTRACION DE CASPE

III SALON ARAGONES DEL COMIC Y LA ILUSTRACION DE CASPE

Más de uno de nosotros hemos echado los dientes en la lectura con las nubes de los tebeos, el TBO original y otros. Luego llegó el cómic, más americano, más adulto, con superhéroes más serios que nuestro Doctor Franz de Coopenhage.

Como venimos viendo en Aragón, a pesar de lo que a algunos pueda parecer y pese a lo que algunos pretendan hacer creer y otros no quieran ver, -y no me cansaré de insistir en éllo- en cualquier rama artística hay cantidad y calidad más que sobrada y, por lo dicho anteriormente, testarudez bastante como para sacar adelante proyectos y trabajos nada fáciles.

Ahora me referiré a la gente del cómic, del tebeo, de la historieta. Helos ahí organizando el III Salón Aragonés del Cómic y la Ilustración que tendrá lugar el fin de semana del 16 y 17 de este mes en Caspe. Con el patrocinio del ayuntamiento caspolino lo organiza la Asociación Malavida de Amigos del Tebeo que desde 2004 trabaja fomentando la lectura de tebeos. En las direcciones siguientes se puede saber sobre Malavida y el Salón: http://www.asociacionmalavida.com y http://malavida.blogsome.com

El programa es el siguiente:

Sábado 16

10:00. Inicio campeonato Rol
11:00. Inauguración III Salón del Cómic y la Ilustración de Caspe (Zaragoza).
11:30. Exhibición de Manga.
11:30. Títeres de Supermaño
12:30. Entrega de Premios III Salón del Cómic y la Ilustración de Caspe y presentación del libro de relatos cortos.
13:30. Visita guiada a la exposición "Discos con portadas de Mauro Entrialgo". El propio autor comentará en directo una por una las piezas de la muestra.
16:30. Mesa redonda: “Los dibujantes de tebeos: de la afición a la profesión”. Participan: Jesus Saiz, JMV, Tinaja y Jordi Bayarri. Modera: Juan Royo.
17:30. Mesa redonda Actualidad del cómic y de la ilustración en Aragón. Participan: Bernal, Furillo, Kalitos y Azagra. Modera: Juan Royo.
18:30. Títeres de Supermaño
19:00. Proyección del documental “De Superman a Spiderman. Historia de los superhéroes”.
23:00. Entrega de Premios Juegos de Rol III Salón del Cómic y la Ilustración de Caspe.

Domingo 17

11:00. Taller de cómic para niños, con los autores Chefo y Bernal.
12:00 Zona Manga: Competiciones DDR y videojuegos. Organiza Asociación Arashi.
13:00. Presentación de novedades: Stupider-Man, (Kalitos. Editorial Cornoque), El Chocholoco (Malavida, Editorial Cornoque), tercera edición del Señor de los Panchitos (Jesús Martínez del Vas, ediciones JMV) y Los domingos (Mauro Entrialgo, ediciones Ponent).
13:30. Presentación de las Jornaicas de Manga, por Tatakae.
16:30. Mesa redonda. Los blogs sobre cómic. Participan: eMe A de “El blog de A.D.L.O!”, Dionisio de “El rincón de Taula”, Latro de “Bajo la máscara”, Iru de “En blanco” y Santiago Jurado de “El blog de Mortadelón”. Modera: Marcos J. Wander.
17:30. Proyección de la película Metropolis de Tezuka.
17:30. Exhibición Manga y final de las competiciones.
19:00. Actuación de Mangaku Musume.
19:30. Entrega de Premios DDR, y videojuegos Manga III Salón del Cómic y la Ilustración de Caspe y Clausura del Salón.

LA VUELTA DE VACACIONES

LA VUELTA DE VACACIONES

El comienzo de septiembre viene relacionado con el fin del verano. La Naturaleza tiene sus estaciones y los españoles tenemos las nuestras. Primero de septiembre, vuelta al colegio y fin de los veraneos en un país donde las vacaciones todavía se miden a ritmo de semanas (antes quincenas) en la costa mediterránea.

También yo he vuelto he intento reintegrarme lo más progresivamente posible a la rutina diaria. Igual que el medio lleno o medio vacío del optimista y el pesimista, el período comprendido entre vacación y vacación es un lapso de anormalidad rutinaria más que de normalidad. La normalidad está en las vacaciones y lo que hay entre medio es un accidente que algunos achacan a un desliz femenino con una manzana.

Dos semanas moviéndose de España a Francia, de Francia a Alemania y vuelta por tierra gala. Relajante toma de contacto con la belleza alsaciana al igual que del Rhin más fotografiado, el que discurre entre Bingen y Koblenz. Vienne, cercana a Lyon y regada por el Ródano con sus restos romanos al igual que los impresionantes teatros de Lyon. Recorrido por una Via Domitia que ahora lleva por sus seis carriles a los europeos del norte al calor del sur y a los acalorados europeos del sur a las tibiezas del norte. Lyon, de paseos calmos y sentadas reposadas para absorber sus casas, sus rincones, sus traboules, sus colinas Fourvières y Croix-Rousse, de esta ciudad cruzada por el Ródano y el Saône que viajan en paralelo como resistiéndose este último a entregar sus aguas al gran río. Lyon, un pequeño París. Por cierto, en 2004 lanzaron la iniciativa “60 lions, 60 lieux, 60 artistes” que a los zaragozanos les sonará con tan solo introducir el nombre en un buscador de internet.

Colmar, una de las más bellas localidades de Francia, una postal. Estrasburgo, con su casco viejo rodeado por canales. Obligatoria la visita desde uno de los barquitos que la circundan. Pasar a Alemania y descender al Rhin a través de Bingen es como cruzar el paso que lleva a Sangri La. La visión es inolvidable y nos acompañará a través de un ciento de kilómetros aguas abajo hasta Coblenza y la desembocadura del Mosela, que aquí se llama Mossel, ante el ingente monumento al Kaiser Guillermo.Bingen, en cuyo convento de Rupertsberg escribió sus músicas y sus textos Hildegard, Hildegard von Bingen, Rüdesheim, Assmanhausen, Bacharach, St. Goar, Boppard y otros bellos pueblos que montan guardia a ambas orillas del padre Rhin. El promontorio Loreley y sus historias románticas y no tan románticas cuando hasta la canalización del rio barqueros especializados guiaban entre las rocas a los navegantes y sus barcazas de transporte. También obligado montarse en un barquito de línea o cruzar el Rhin en cualquiera de sus transbordadores para tener perspectiva de la auténtica dimensión del río, al igual que debe ascenderse por cualquiera de las carreteritas que cruzan los viñedos de uva Riesling (caldos inevitables para cualquier amante del vino blanco) y buscar puntos desde donde gozar de las magníficas panorámicas del valle.

De vuelta en Francia, Metz, Dijon, Beaune y su impactante Hôtel-Dieu, Nîmes. Ciudades del norte y ciudades del sur. Diferentes y cada una con su personalidad y su encanto. Ciudades limpias, cuidadas, embellecidas. Plenas de flores en todos los rincones, en todas las ventanas, en todos los balcones. Gente amable y lejana de tópicos y convenciones. Buena educación por doquier. Buenos alimentos, buena cocina. Precios no tan elevados como antaño. En Francia hay diferencias notables segun regiones y si se trata de una capital importante. En Alemania, como en España. Viaje terapéutico, higiénico diría, de tranquilas caminatas por caminos y calles y respirar Europa profunda.

Ahora toca retomar la dinámica habitual y al coche darle un lavado y un merecido descanso. A ver si todos nos ponemos la pilas y unos van dando el placet a proyectos que otros deberemos sacar adelante con las pilas que hemos recargado estos días de asueto estival. Llegará el frío (aunque no lo parezca estos días, siempre llega) y éste propiciará el encierro en el estudio y el desempolve de unas neuronas que están deseando ponerse a velocidad de crucero.

LA AFONIA DE MICK JAGGER

LA AFONIA DE MICK JAGGER

Mick Jagger se queda afónico. Nunca ha tenido una voz para la ópera ni mucho menos pero ahora se queda afónico. Después de pasarse la vida sacando la lengua al público (por ahí detrás andaba Andy Warhol) ahora tiene que mostrársela al otorrinolaringólo. También ha decidido tomar clases de canto para colocar la voz y respirar y todo eso. Dice Jagger "durante 35 años he cantado a mi manera, pero quiero alargar mi carrera y más vale tarde que nunca". Tiene guasa. Quiere alargar su carrera. ¿Más todavía? Tal vez haya llegado el momento de salir con dignidad por la puerta grande y cambiar las guitarras eléctricas por las bandurrias y pasar de "Rolling Stones" a ser la rondalla "Piedricas de Río" (esas que venden en la calle Alfonso). No sé yo si es muy positivo no ser consciente de la edad y las limitaciones que conlleva sobretodo para quienes a estas alturas ya han probado de todo ¿me explico?

Ironías aparte hay que quitarse el sombrero ante estos rockeros, currantes infatigables del escenario. Y también hay que descubrirse ante sus seguidores pues asistir a sus conciertos se ha convertido en una actividad de riesgo porque nunca se sabe si el concierto tendrá lugar o será suspendido sine die.

Supongo que a los afectados por las suspensiones afónicas de las actuaciones en España se les devolverá el dinero de las entradas pero el tiempo y dinero invertido en traslados y alojamientos, ese ya lo han perdido, y si les canjean las localidades para una fecha futura (que largo me lo fiais) prolongarán el suspense hasta el día de la nueva actuación. Tal vez entonces Jagger ya haya aprendido a colocar la voz y sus cuerdas vocales se hayan sacado de encima treinta y cinco años de castigo. Quizás entonces no guste su voz a los aficionados.

SE FUE HILARIO CAMACHO

SE FUE HILARIO CAMACHO

Falleció a los 58 años de edad el cantautor Hilario Camacho. Se va uno de los grandes y todo un símbolo de la época dorada de la canción de autor en España; de los tiempos de beligerancia política y social aunque su personal estilo fuese menos politizado y más romántico que el de sus compañeros.

La frase "por causas desconocidas" al hablar de su muerte junto a algun comentario sobre la existencia de una nota de despedida parecen vislumbrar que Camacho tocó fondo en una crisis con la que terminó drásticamente.

Tras esa época de activismo y presencia de los cantautores en primera línea, Camacho continuó trabajando para él y para otros cantantes permaneciendo retirado de los circuitos más comerciales. En septiembre próximo aparecerá un nuevo disco titulado "Una mirada diferente" con quince temas, dos de ellos nuevos, y que ha sido producido por Alain Milhaud que fue productor en 1972 del "A pesar de todo", primer disco de Hilario Camacho.

La cara es el espejo del alma. Por eso incluyo este primerísimo plano del rostro de Hilario Camacho. Una cara de buena persona.

Incluyo una entrevista aparecida en el diario EL MUNDO el día 25 de Marzo de 2003 y a continuación unas de sus letras, entre ellas la de la conocida canción "Tristeza de Amor".

1. ¿Te molesta que te encasillen como cantautor romántico?

No creo estar encasillado como cantautor romántico. Pero en cualquier caso, no me molesta.

2. ¿Qué poeta ha sabido reflejar mejor lo más universal del amor?

Cualquiera. Para mi, por ejemplo, Miguel Hernández, Baudelaire, Walt Witman...hay muchos.

3. Gracias por tu música. ¿Crees que "contra Franco" se cantaba mejor?

Estaba más claro quién era el enemigo. Pero, a pesar de todo, aunque no sea una democracia que a mi me convenza del todo, como se ve ahora reflejado en cuanto a la opinión a la guerra, creo que vivimos mejor porque hay más libertad.

4. ¿A qué poeta, actual o no, pondrías música ahora? Enhorabuena por tus canciones

Lorca, Machado, Nicolas Guillén, Allen Ginsberg, por ejemplo.

5. Si el amor mueve el mundo... ¿por qué nunca es noticia en las portadas de los periódicos?

El mal da más juego a la literatura. Incluso el amor tiene que enfrentarse al mal para salir a flote en la historia.

6. ¿Volvería a hacer una canción para una serie como la maravillosa "Tristeza de amor"? Gracias por seguir en la brecha.

Si, la volvería a hacer si me lo piden. Eso son cosas que parten de los productores y yo lo que necesitaría es que me pidan a mi que haga la canción.

7. Hilario es un placer compartir contigo siempre una canción, una poesia, una entrevista... siempre dejas un sabor especial.Mi pregunta es acerca del dolor del alma, ¿usted cree que esta inevitablemente ligado al amor?.Mil gracias

Creo que la pregunta está mal planteada. El amor y el dolor están ligados a nuestro espíritu, por tanto al alma.

8. Buenos días, ¿Por qué es tan facil escuchar canciones "contra Franco" o "contra Pinochet" y tan difícil escucharlas "contra Sadam o Fidel"?

Lo ignoro.

9. A pesar del título de su nuevo disco, la gente, inevitablemente, cambia. ¿Es ley de vida?

Lo único invariable en la vida son los cambios. Pero el cambio al que yo me refiero es el de nuestra propia esencia. Es decir, los demás cambios los considero superficiales.

10. Que te parece el Top Manta?

El top manta es un delito. Que en parte ha provocado la propia industria que nos ha puesto en las manos las herramientas para poder hacerlo. Pero el argumento de que los discos son caros -que algunos lo son-, además están están gravados por un 16% de IVa, mientras los libros lo están por un 4%. O sea, que parece que finalmente no somos un articulo cultural si no de lujo. Pero ese argumento no me sirve porque nadie puede competir con los precios del top manta. Además se aprovechan de la inversión en producción y promoción de la compañía que saque el disco, para venderlo ilegalmente sin gasto alguno, solo beneficio.

11. Mójate Hilario, ¿amor homosexual o heterosexual?

Amor simplemente. Que manía tenemos con clasificar.

12. Crees que el hecho de no haber compuesto música comercial ha impedido que la gente te conociera más

Por supuesto.

13. cual son tu autores favoritos en el plano nacional e internacional?

Son tantos...

14. Estimado Hilario, que opina alguien historicamente a favor de la paz como usted, de estas manifestaciones presuntamente pacifistas en las que se arrojan adoquines y se prende fuego a las papeleras ¿esto es paz y defensa de la misma?

Evidentemente soy contrario a la guerra y, como su propio nombre indica, una manifestación pacífica es una manifestación sin adoquines. Si algunos de los propios manifestantes han iniciado estas acciones por su cuenta y riesgo, debo pensar que son grupos que quieren reventar la manifestación creando una mala imagen de la protesta. Si la violencia hubiera comenzado por parte de las fuerzas públicas creo que el ser humano tiene derecho a defenderse.

15. Hilario.Gracias por seguir ahi.¿ Estarias dispuesto a organizar o participar en un macoconcierto,contra la salvaje agresión al pueblo de IRAK.?Gracias

Hasta el momento nadie me lo ha pedido.

16. ¿se puede vivir tantos años con los derechos de una canción?

No, los derechos de autor son como una especie de hucha en la que se van acumulando diferentes canciones. Hasta el momento no he tenido ninguna que me de para vivir por ella misma.

17. ¿Qué canciones que hablen de paz me recomendarías escuchar estos días, para acallar el ruido de las bombas que están cayendo sobre Bagdad? Gracias

Trata de encontrar la paz dentro de ti.

18. Solo decirte GRACIAS por " A pesar de todo". En mis momentos tristes aún lo pongo, aunque ya esta muy rayado

Es que es del año 72. Creo que deberías renovarte un poco. En cualquier caso, efectivamente es un gran disco.

19. ¿De quien eran los poemas en los que sentias mas a gusto cantando?

De Machado, de Blas de Otero, de Nicolas Guillén.

20. Soy auttor de canciones. En los años 80 el poder mediático no estaba del todo instituido. Ibas a la radio de tu al lado de tu casa y te ponían tus maquetillas. Ahora todo se decide en una mesa arriba. Los locutores son autómatas. Estas de acuerdo con esta apreciación o es reflejo de mis propias circunstancias?

Efectivamente, aunque siempre se decidió desde arriba, antes había más programas donde el locutor ponía la música que le gustaba. Todavía queda alguno, por ejemplo "Discogrande" de Julio Ruíz en Radio3, incluso Ordovás. Pero como cada vez más -desde hace años- todo es radiofórmula, se programan las canciones en las reuniones generales y el locutor no tiene ni voz ni voto, se limita a cumplir órdenes.

21. ¿Esta guerra ilegal puede, de alguna forma despertar en la juventud un compromiso parecido al de la juventud de hace unos 20 años?

Ojalá que así fuera. Prefiero pensar que esa actitud va a continuar después de esta guerra.

22. Tu nuevo disco me ha parecido atrevido, además de bueno. A qué te vas a atrever con el siguiente?

No lo se todavía, dame un respiro.

23. ¿No crees que los cantautores están ya pasados de moda?

Pues no. Yo creo que la visión personal de alguien -que eso es un cantautor- siempre será necesaria, independientemente del espacio comercial que pueda llegar a tener por los gustos de la gente, que por otro lado, cada vez están más dirigidos. Puede llegar a estar pasados de moda determinadas actitudes.

24. Usted es un artista con mayusculas, y si lo comparamos con el panorama actual, es un artista con letras del tamaño de las de Holliwood. lo que me gustaria saber es si a usted la musica le da para vivir o tiene que ganarse las lentejas de alguna otra manera. Un saludo.

Hasta el momento, desde hace bastantes años, he podido vivir de la música pero siempre con un continúo esfuerzo.

25. ¿te interesan las músicas del mundo?

Por supuesto. Me interesaban ya hace muchísimos años porque el mundo siempre ha estado allí. Ahora parece que se han descubierto a base de etiquetarlas.

26. ¿Dónde habías estada metido hasta ahora>?

Normalmente ando haciendo conciertos y mi vida, mis canciones.

27. Hola Hilario, tu que eres un reconocido izquierdista..... ¿No crees que la oposición está en contra de la postura del gobierno respecto a la guerra, solamente para obtener más votos en las elecciones que vienen?

Si por oposición entiende el 90% de la población, según las encuestas-, será que todos quieren más votos, lo cual ha ocurrido siempre. De todas maneras, te aclaro que mi posición siempre ha sido más bien anárquica.

28. hola hilario, encantado. tengo su ultimo disco y realmente me parece muy bueno. como fue la colaboracion con KIKO VENENO?, gracias

Es un gran amigo y gran artista. La verdad es que fue un placer porque nos estuvimos riendo constantemente.

29. ¿Qué diferencias encuentras entre las últimas manifestaciones y las que se hacían cuando Franco?¿Hay las mismas libertades?

Cuando Franco ninguna manifestación estaba permitida, y todas eran reprimidas supercontundéntemente. Además existían peligros de encarcelamiento, incluso tortura bajo la creencia de que pertenecieses a algún partido político y pudieses desvelar información.

30. ¿Qué opininas de Operación Triunfo?

Sin tener nada en contra de los chavales que participan, que me pueden resultar tan simpáticos como a cualquiera, creo que se ha convertido en una enorme operación de marketing y venta de productos que tiene poco que ver con el arte.

31. Confias en el criterio del público actual o crees que está demasiado manipulado, mediatizado.

Afortunadamente, el público que me sigue creo que tiene más criterio propio pero, de todas maneras, si me parece que el público en general está cada vez más mediatizado.

32. ¿En que te inspiras para componer?

Pues normalmente en mis propios sentimientos, el amor, la amistad, sentimientos muy básicos. Preguntas que me hago a veces de orden existencial o filosófico. Raramente hago historias aunque no es una norma.

33. hilario, no se te hace duro seguri en la brecha?

A veces si por esa mediatización que hablamos. Por esa sensación de que nos encaminamos a una especie de pensamiento único. Y por fenómenos con los cuales es imposible competir como todo ese tipo de operaciones televisivas.

34. Cual es la prespectiva, de un artista con tantos años de bagaje musical del momento actual de la industria discográfica?

Creo que el futuro está cada vez más en la independencia de las grandes compañías discográficas con la ayuda de la tecnología. Y no me refiero a las playstation precisamente, aunque sirva para relajar.

35. la poesia moderna.... tiene alguna relación con la evolucion del ser humano?

Supongo que si. Todo evoluciona pero también todo esta dicho.

36. Hola Hilario, en los tiempos dificiles es cuando salen los mejores cantautores ¿Crees que saldrán en Bagdag?

Si queda algo...

37. ¿De que concierto guardas un mejor recuerdo?

De un concierto que hice en Granada. Y me volví a encontrar con una chica que había conocido. Una asignatura pendiente.

38. ¿Por que casi todos los temas en la musica o en otras artes como el cine gira en torno al AMOR?

Pues porque el amor es lo que mueve el mundo y aun para aquel que lo niega, es lo más necesario. De hecho, todos los grandes hombres, por ejemplo Napoleón, siempre acaban quebrándose a causa de una mujer.

39. Hilario, ¿no crees que el título cantautor ha sido muy mediatizado por la izquierda durante la transición? ¿por que no desligarlo ya y dejarlo como algo artístico?

Estoy totalmente de acuerdo, yo trato de hacerlo desde hace tiempo. Pero reconozco que es difícil.

40. ¿Pones Música a tus Poemas o Letras a tus Musicas?

Todos los caminos llevan a Roma.

41. Querido Hilario, cuantos años ya, no? Y, después de todo, seguimos en las mismas: manifestaciones ilegales, la culpa la tienen los socialistas, gracias a la guerra la gasolina es más barata... ¿Para cuando unos políticos "normales"?

Más de 30 años ya. Y no creo que existan los políticos normales. A lo más que podriamos aspirar es a que fueran verdaderamente profesionales.

42. Hilario, ¿cúal es tu opinión sobre Bob Dylan como músico, letrista? ¿Te ha influenciado y, si es así, en qué medida? Gracias y suerte

Creo que es uno de los grandes, que a marcado caminos en la historia de la música. Y a mi me influyó bastante durante parte de los años 70.

43. ¿Qué relación mantienes con Joaquín Sabina después de haber compuesto temas con él y haber trabajado juntos en sus primeros discos?

Ninguna.

44. Cómo ves el Madrid de este 2003 si lo comparas con el que se reflejaba en series como "Tristeza de amor"

Bueno, ya en la serie "Tristeza de amor" el verdadero protagonista, como me dijo el director, eran los intereses. Yo creo que lo único que ha ocurrido es que se ha potenciado todo eso.

45. ¿Cómo ves el mundo tan comercial en que se ha convertido la industria discográfica? ¿Importan ya las buenas canciones?

El artista cada vez tiene menos importancia en esa cadena de producción. De todos modos, el público siempre tiene algo que decir, afortunadamente. Y a veces, solo a veces, hay sorpresas. Si que creo que todavía las buenas canciones tienen un peso, eso si se les deja ver la luz.

46. ¿Que tenemos que hacer los madrileños para volver a recuperar ese Madrid hermoso y multicultural del pasado?

Inventar el tunel del tiempo.

47. Al final...vuelve la vista atrás...y que ve

Veo un largo recorrido lleno de sorpresas y de errores, que me ha llevado hasta aqui. Pero creo que lo pasado, sencillamente pasó. No me es dado el volver a reescribirlo.

TRISTEZA DE AMOR

Bajo el tejado de cristal,
duermen el odio y la pasión,
sueños de gloria y de poder,
calman su gris desolación.

Tristeza de amor,
un juego cruel,
jugando a ganar,
has vuelto a perder.

Tristeza de amor,
un juego cruel,
jugando a ganar,
has vuelto a perder.

Son muchos los que mienten,
para resplandecer,
pagando por su vida
un interés.
Tristeza de amor
un juego cruel
jugando a ganar
has vuelto a perder.

Tristeza de amor
un juego cruel
jugando a ganar
has vuelto a perder.

Son muchos los que mienten
para resplandecer
pagando por su vida
un interés.

Tristeza de amor
un juego cruel
jugando a ganar
has vuelto a perder.

 

CUERPO DE OLA

 

Tienes ya veinte años,

cuerpo de ola,

y tu padre no quiere que salgas sola.

Tienes sal en los ojos,

sed en tu vientre,

caracolas de sombra

y trigo caliente.

Te cortejan los hombres por los senderos

y tu padre no quiere que hables con ellos;

un noche de fuego y árboles negros

tu padre ya no pudo

tu padre ya no pudo

matar sus celos.

En la noche sin luna temblores de alba

dibujarán sus besos sobre tu cama.

Cascabeles de sangre, peces de plata

cantaron por tu cuerpo de seda y nácar.

Desde entonces ya crecen en tu voz amapolas

y tu padre no quiere que duermas sola.

Tienes ya veinte años, cuerpo de ola,

y tu padre no quiere que salgas sola.

VOLAR ES PARA PAJAROS

Hace tiempo era un niño buen cazador de nubes

y es que al cielo subía por sumas de escaleras

trepando por la hierba de luz del arcoiris

o por los hilos de sol de mis cometas.

Ahora quiero volar, sé que antes del silencio,

antes del bien y el mal, del cruel y del tirano

pasaba por el mundo sobre ángeles y cosas.

Un hombre libre con alas en las manos.

Ahora vuelvo a volar, tengo unas alas blancas

con que abrazar el aire, rasgar el horizonte,

llegar hasta ciudades lejanas como sueños

y enseñarles a todos que es posible la vida,

que es posible la vida,

que es posible la vida,

que es posible la vida.

Suben a mi ventana gritos alucinados

chirridos de sirena arañándome entero

y gritos de "estás loco, volar es para pájaros",

pero extiendo mis alas, miro hacia el cielo y salto.

Miro hacia el cielo y salto,

miro hacia el cielo y salto,

miro hacia el cielo y salto,

miro hacia el suelo y caaaaaaaaaaigo.

NOCHE DE AGOSTO CON "OUA UMPLUTE"

NOCHE DE AGOSTO CON "OUA UMPLUTE"

Ayer miércoles, ecuador de la semana laboral, marchamos Elena -mi mujer- y yo a ver el nuevo espectáculo parido por la gente de Teatro Che y Moche y que ofrecian en el centro Joaquin Roncal, de la CAI. Con las entradas agotadas -algo que parece habitual por los comentarios escuchados en la entrada- nuestro propósito se hubiera visto frustrado a no ser por unas entradas reservadas que no fueron utilizadas y que gentilmente nos ofrecieron Raquel y Carmen, de Che y Moche. Solventado esto in extremis, pudimos acceder a la sala y disfrutar de lo que fue un buen cierre de jornada estival.

Cuatro actores convertidos en músicos zíngaros, eso es "Oua Umplute" que en rumano no significa otra cosa que "huevo relleno". Miembros de una familia que recuerda póstumamente y de manera festiva el fallecimiento (¡hace quince años!) del abuelo Dmitri. Reunidos en torno a las cenizas del abuelo y con una sencilla pero efectiva escenografia la conmemoración sirve de excusa para una sucesión de músicas zíngaras y klezmer (rumanas, húngaras, ucranianas, judías....) o inspiradas en ellas, como esa "Danza Húngara" de Brahms.

He hablado antes de cuatro actores aunque también podría haber dicho cuatro músicos metidos a actores. Teatro en música, música en teatro. Retorno a un arte integral donde no se establezcan fronteras ni ghettos. Todo músico tiene algo de actor. El teatro en su origen era inseparable de la música. Los protagonistas de esta fiesta gitana son Teresa Polyvka al violín y en el papel de Teresa, Kike Lera a la guitarra como Yuri, Eugenio Arnau con la batería encarnando a Eugene y Joaquín Murillo como Joaquim tocando los saxofones soprano y tenor.

Polyvka parece llevar el peso pesado de la música del espectáculo alardeando de su velocidad a la hora de tocar las endiabladas piezas del repertorio como por ejemplo el "Hora Staccato" de Grigoras Dinicu o las "Czardas" de Vittoiro Monti incluso algun guiño al tema del movimiento final del Concierto para violín de Brahms. Murillo alterna con Polyvka en dúo o dialogando con sus saxofones en tanto que Arnau y Lera completan las secciones rítmica y armónica respectivamente.

Un espectáculo refrescante, divertido, desestresante y en el que la música ejerce su función unificadora entre personas. La familia del abuelo Dmitri implican en determinados momentos al público -entre el cual se hallaban presentes conocidos artistas como Carmen París o Jaime Ocaña- en la representación con gracia y respeto, y si no que me lo digan a mi que me tocó salir al escenario a prodigar mis "artes" musicales con un palo de lluvia.

Ahora tienen una actuación en Zuera y otra en Villanueva de Gállego. Quedamos a la espera de ver a este huevo relleno de buena música, buen humor y buen teatro una semanita en el Teatro del Mercado la próxima temporada.

MANIFIESTO EN FAVOR DEL NUEVO TEATRO FLETA

MANIFIESTO EN FAVOR DEL NUEVO TEATRO FLETA

Manifiesto de un grupo de artistas aragoneses sobre el Teatro Fleta:

En relación al asunto del proyecto de reforma del Teatro Fleta, algunos músicos y creadores zaragozanos estamos más que cansados de leer y escuchar opiniones de políticos y/o expertos en patrimonio que, más que intentar encontrar una solución razonable al problema, parecen disfrutar enfrascándose en la tarea de marear la perdiz. Veamos: el antiguo Teatro Fleta está prácticamente demolido, y pensar en que recupere su aspecto original parece poco viable, además de escasamente útil.

Así las cosas, parece que la clase política está más por la labor de ajustar cuentas y poner zancadillas a sus adversarios, que por la de buscar el bien común. Para los partidos de la oposición al Gobierno Aragonés, es necesario exigir responsabilidades políticas por los gastos ocasionados con la frustrada reforma inicial; un despilfarro, estamos de acuerdo, pero eso es una situación del pasado, sin vuelta atrás, y que no debería impedir sacar adelante el nuevo proyecto si éste puede repercutir de forma beneficiosa en los ciudadanos. Conviene no olvidar que la SGAE está dispuesta a invertir una importante cifra de dinero en un espacio que no tenía ningún futuro, en especial después de que el Gobierno de Aragón hubiera sondeado a otros posibles socios, con resultado negativo. ¿Preferimos empecinarnos en preservar una ruina de todo punto inconservable o construir un centro cultural con las prestaciones más avanzadas?

Hasta cierto punto podría comprenderse el empeño de Apudepa (asociación de defiende el patrimonio aragonés), por la conservación de un edificio catalogado de interés arquitectónico, empeño en que han implicado a una organización internacional (DOCOMOMO) cuyo representante en Aragón ha declarado que se ha llegado a "una situación casi irreversible" y que desconoce el nuevo proyecto, "que debería intentar respetar lo que se pueda" (mal se puede opinar sobre algo que se desconoce, y que en este caso supone la puesta en marcha de un importante foco de actividades culturales y artísticas en pleno centro de la ciudad). Lo que no comprendemos es que Apudepa insista en defender un recinto que lleva años en desuso y en continuo proceso de deterioro, y cuya reconstrucción supondría más gastos, imposibles de rentabilizar dado que el recinto, según su antigua configuración, resulta inutilizable para los fines propuestos.

Frente a esa ruina anunciada, torpedear la creación de un espacio artístico diseñado con conceptos propios del siglo XXI se nos antoja un tanto cavernícola. Hace unas semanas, el cineasta aragonés José Luis Borau rememoraba ante algunos de nosotros sus años mozos, cuando asistía a las sesiones del recién inaugurado Fleta, y más allá de nostalgias, recordaba que era una sala barata (hoy diríamos cutre), además de fea. No nos engañemos: la fachada del Fleta no es una obra deslumbrante como la Casa Milá de Barcelona, o como otros edificios modernistas que todavía existen en Zaragoza (por cierto: el Área de Urbanismo no pone pegas a la demolición del Rincón de Goya, también teóricamente protegido). Es cuestión de valorar qué resulta más provechoso para el ciudadano, máxime en estos días en que se nos vende la Expo 2008 como panacea para el futuro de la ciudad. ¿Acaso la cultura y la creación artística no son factores importantes de desarrollo y bienestar?

Gonzalo de la Figuera con las firmas de apoyo de Gabriel Sopeña, Miguel Angel Berna, Enrique Bunbury, Carmen París, Mariano Chueca (Distritocatorce), María José Hernández, Ramón Marcén (Especialistas), Santiago del Campo y Fernando de la Figuera (Especialistas y Couscous Party), Juanjo Javierre, Fernando Frisa (los Cármenes), Carlos Martín y Alfonso Plou (Teatro del Temple), Vicente Monreal y José Miguel Pamplona (Baluarte Aragonés).

Pues qué voy a decir sino que estoy de acuerdo. Ya no hay remedio para el destrozo efectuado. No se puede pretender desfacer el entuerto ni quedarnos lamentando sino que hay que ir hacia adelante. No quita para que si hay que pedir responsabilidades, se pidan por los cauces necesarios. Lo que no es de recibo es la eterna actitud de los políticos nacionales de oposición (sea del signo que sea) de ni hacer ni dejar hacer. Así no vamos a ninguna parte. El nuevo proyecto como tal, con independencia del lugar en el que se construyera, es magnífico en su planteamiento técnico, escénico y de posibilidades funcionales y resulta esperanzador para todos los colectivos necesitados de espacios donde mostrar sus trabajos. Dejen pues de estorbarse unos a otros y de estorbar a los ciudadanos no dando lo que la ciudad necesita.

Adelante con el nuevo Fleta que en el vestíbulo se puede poner una maqueta del antiguo y una colección de fotografias.

*El slogan que se ve en la foto,  "Gran Teatro Fleta, sin límites a la creatividad" no se está cumpliendo por las interminables limitaciones que la oposición está poniendo zancadilleando una y otra vez el nuevo proyecto. No desbloquear inmediatamente el proyecto es un descarado límite a la creatividad.

GALICIA EN LLAMAS

GALICIA EN LLAMAS

Galicia arde. Año tras año, verano tras verano. Supuestamente unos gallegos meten chispa a la tierra de los gallegos. Y todavía queda leña que convertir en humo. Galicia se destruye. Su mar se destruye y también su tierra. Cada vez Galicia es menos Galicia. Pronto de Galicia no quedará ni la "G". Galicia atacada, galicia vapuleada, Galicia herida de muerte. Cuando no es el chapapote es la llama, cuando no es negligencia e irresponsabilidad es premeditación y alevosía.

Nunca olvidaré cuando en 2005 pasaba a los pies del mágico Monte Pindo, humeante, negro, arrasado. Todavía alguna llama se mantenía a la orilla de la carretera.

...............

Ayer veía en televisión las imágenes del río Xallas desplomándose en el mar en Ezaro (La Coruña) desde ese Monte Pindo, sagrada montaña de los celtas. Hermosa visión concesión de la hidroeléctrica que "generosamente" abre el grifo del embalse que en parte alta de la montaña dejó al Xallas impotente de su salto de agua.

Las imágenes eran nocturnas. Ignoro si porque es la hora en la que se le permite al rio seguir su curso, a escondidas, con nocturnidad, o para que no se vea el lamentable espectáculo del monte carbonizado.

SIERRA BARSELO COLABORA CON LAS JORNADAS CORALISTAS DE BORJA

SIERRA BARSELO COLABORA CON LAS JORNADAS CORALISTAS DE BORJA

En el anterior escrito hablaba de la que va a ser la vigésimosexta edición de ese gran festival de la música coral que son las Jornadas Internacionales de Canto Coral que se celebran puntualmente todos los meses de noviembre en Borja. Quiero ahora mencionar el cambio de logotipo de las mismas por uno acorde a los tiempos que corren y a sus estéticas. Prima la funcionalidad partiendo de un esquema minimalista pero de inmediato impacto y comprensión. Corresponde la autoría al reconocido artista Manuel Sierra Barseló que comenzó su colaboración con los organizadores el pasado año con la confección del cartel de las Jornadas de las Bodas de Plata. Cartel de serena belleza en el que con trazo impresionista se revela con insinuada claridad la nave de la Colegial de Borja y un coro cantando en ella.

XXVI JORNADAS INTERNACIONALES DE CANTO CORAL DE BORJA

XXVI JORNADAS INTERNACIONALES DE CANTO CORAL DE BORJA

Parece que fue ayer cuando despedíamos las XXV Jornadas Internacionales de Canto Coral de Borja. Era en Noviembre de 2005 y ya comienzan a sentarse los primeros nombres de la edición de 2006.

En la página del coro anfitrión, la coral Vientos del Pueblo que dirige mi buen amigo y respetado músico Emilio Jiménez, emprendedor de la música coral, testarudo borjano que con el apoyo del Ayuntamiento de la localidad y la ciudad somontana, mueve esta máquina desde hace veintiseis años continuados, figura el nombre del profesor que este año va a impartir el curso que corre paralelo a las Jornadas. Se trata del filipino Jonathan Velasco que es director invitado del coro "Ateneo de Manila College Glee Club" y que posee un currículo nada despreciable.

Tras veinticinco años de Jornadas es posible la novedad y la espectación. Después de varios profesores originarios del norte de Europa, resulta prometedora la presencia de un músico prácticamente de las antípodas. Del frío noruego o sueco saltamos al calor filipino. Cambiará la mentalidad, la música, el estilo. Si los anteriores directores que han impartido los cursos ha sido una mina musical y humana no esperamos menos la presente edición. Y el coro que le acompaña no despierta menores espectativas. De todos es conocida la pureza técnica y sutileza expresiva de los coros filipinos así como la calidad de su repertorio.

Ahora falta conocer la programación de conciertos que incluirán las Jornadas a lo largo de la semana en la que transcurren. Cuando se de a conocer la publicaré en este blog. De momento vayamos preparando las partituras para lanzar nuestras voces juntos en Borja.

REENCUENTRO CON EL DISEÑADOR ENRIQUE LAFUENTE

REENCUENTRO CON EL DISEÑADOR ENRIQUE LAFUENTE

Hace unos días tuve un grato reencuentro con un antiguo compañero de andanzas corales allá por los tiempos de estudio en el Conservatorio. Paseando por la calle Manifestación encontré abierta la boutique del diseñador Enrique Lafuente y a él atendiéndola. Nunca pasaba en horario comercial ante el edificio en el que Lafuente ha creado su mundo. Una antigua casa esquina con la calle Loscos que Enrique heredara y con gran esfuerzo convirtiera en taller de diseño, confección y lugar de venta y encuentro.

Enrique estudió medicina y piano pero su afición por el diseño de moda le llevó a abandonar su carrera y marchar a Paris donde estudió peridismo y entró en contacto con el mundo de la Alta Costura. Trabajó en el Museo de la Moda de París, catalogó el legado Balenciaga y, tras ocho años en la capital francesa regresó a Zaragoza con la ilusión de hacer algo desde aquí con proyección internacional. Aqui creó la marca Naluroots (www.naluroots.com) especializada en cultura urbana y streetwear caracterizada con el inconfundible anagrama que incorporan las prendas de Lafuente.

Las cosas no han sido fáciles. Zaragoza tolera la modernidad pero no se la cree y cualquier labor creativa e innovadora ha de enfrentarse a gran cantidad de zancadillas y, lo que tal vez sea peor, a la indiferencia. Pero la cabezonería aragonesa tan nefasta en algunas ocasiones tiene de positivo el no rendirse con facilidad.

Me habló Enrique de la asociación Zarteria (www.zarteria.org) engendrada por diversos creadores empeñados en mover la parada y acomodada mentalidad zaragozana. Además de Enrique Lafuente, Zarteria la integran en su origen Mercedes Marco, creadora de la marca Lasanta, la empresa de diseño Activa, integrada por Ana Malandía, Fernando Martínez y Justo Peña, AD3 de Fernando Bardavío y Luciano Viscione, y el diseñador gráfico Benito Galé. En la página web de la asociación cuelga ámplia información sobre su filosofía y sus integrantes. El arranque de la asociación previsto para octubre, en su local de la calle San Vicente de Paul, casi con Echegaray y Caballero, será rompedor. Una exposición titulada Baturro Bizarro ofrecerá una visión diferente del costumbrismo aragonés y la convocatoria de un concurso de creación de un souvenir alternativo zaragozano promete sorpresas interesantes.

DE MONÇON VENIA EL MOÇO

DE MONÇON VENIA EL MOÇO

A Monzón fue y de Monzón volvió este mozo cuando el pasado día de San Juan acudía a la aquella villa oscense para asistir al estreno de su versión del anónimo del siglo XVI "De Monçon venia el moço". Amablemente invitado por la Coral Montisonense -dedicatarios de la obra junto a su directora Paloma Manau- y el Patronato de Cultura pude disfrutar de la simpatía y generosidad de mis anfitrionas Paloma Manau y Alegría Isla, directora y presidenta del coro respectivamente, como de la responsable de la Oficina de Turismo María Angeles Mur y de todos los miembros del coro y del concejal de deportes Miguel Aso quien en nombre del Ayuntamiento y tras unas amables palabras me hizo obsequio de unos interesantes libros sobre la fortaleza templaria y la juderia montisonense.

En las pasadas Jornadas Coralistas de Borja Paloma Manau me habló de la existencia de una sencilla canción a tres voces incluída en el Cancionero de Palacio que hacía referencia a Monzón y que la Coral Montisonense cantaba a modo de estandarte de la agrupación y de la localidad. Me facilitó un ejemplar de la misma y la reescribí libremente para una formación coral a cuatro voces pero evitando la desvirtuación de la obra y manteniendo siempre la melodía y el texto inteligible con el objeto de que mantuviera su carácter representativo de Monzón.

La Coral hizo la presentación en público dentro de las VIII Veladas Corales que tuvieron lugar como he citado el día 24 de junio en la Sala de los Caballeros del Castillo de Monzón. El concierto constaba de dos partes. La primera estuvo cantada por un pequeño grupo de niños de la escuela de música que acompañados al piano hicieron las delicias de los asistentes con sus afinadas y disciplinadas voces pueriles. En la segunda mitad de la velada intervino el coro de Monzón cantando los bellísimos "Notturni" de Mozart con acompañamiento de piano (la versión original es con un corno di basseto) y los "Nocturnos de la Ventana" de Vila con texto de Federico García Lorca. Cerraba el concierto la nueva versión de "De Monçon venia el moço" que fue recibida con calurosos aplausos del público. Tras unas gentilísimas palabras de agradecimiento por parte de Paloma Manau tomó el micrófono Miguel Aso como ya he comentado anteriormente.

Estoy muy agradecido a todos aquellos que hicieron posible la creación y audición de la obra que consideran "pieza señera del coro de Monzón". Fue un día muy intenso y agradable en el que me hicieron sentir (y a Elena mi mujer) tan agusto como en nuestra propia casa.

*Pongo una foto realizada por Fernando Boto de la Coral Montisonense durante su actuación en la 35 edición del concurso de Ejea de los Caballeros (Zaragoza) el 18-04-04, en el que obtuvo el 3º Premio.

HA MUERTO GYORGY LIGETI

HA MUERTO GYORGY LIGETI

Desconozco si György Ligeti sería o no supersticioso pero su muerte se conoce un martes trece. Murió ayer día 12. Se ha ido uno de los más grandes compositores de todos los tiempos. Esta es una afirmación compartida por muchos que como admiran su obra y su personalidad. Es uno de mis referentes en cuanto a una manera de trabajar y entender la música, de expresarla y construirla. Pero por encima de esto destaca su inteligencia para hacer música contemporánea que, sin ceder lo más mínimo a modas transitorias condescendientes con gustos comerciales y simplezas acústicas y estéticas, resultaba atractiva al público no acostumbrado a las estéticas más vanguardistas.

En El Períodico de Aragón aparece esta semblanza de la pluma de Marta Cervera:

György Ligeti, el compositor de origen húngaro más importante del siglo XX tras Béla Bartók, falleció ayer en Viena a los 83 años. El autor de Lontano y la ópera Le grand macabre conectó con el gran público a través de la banda sonora de la película de Stanley Kubrick, 2001: una odisea del espacio. La plasticidad y capacidad evocadora de su música sedujo al realizador británico, que utilizó sus obras Réquiem (1965) y Lux eterna (1966) para el salto temporal más conocido y magistral de la historia del cine, pero también utilizó en el filme algunos pasajes de Atmósferas (1961) .

"En un momento de tanta confusión en la música, su pérdida es irreparable", lamentó ayer Joan Guinjoan. El compositor valora que no se conformó con vivir de los éxitos de los años 60. "Tras una gran época marcada por Lontano y Atmospheres, siguió buscando. Nunca se imitó a sí mismo. Era un creador impresionante", agregó sobre el colosal músico nacido en Transilvania en 1923, en el seno de una familia judía de habla alemana. Para Leonard Balada, Ligeti es un artista auténtico porque su música, a pesar de ser de vanguardia y contemporánea, llega al oyente. "Creadores de su clase y categoría sólo hay cuatro o cinco. No más", afirma. Héctor Parra, joven compositor que triunfa en París, considera que es esencial porque crea un nuevo discurso. "Para mí es un paradigma de la sutilidad formal, la renovación y la continuidad".

Ligeti se interesó de niño por la música y empezó a tomar clases de piano. La segunda guerra mundial hundió a su familia: su padre murió en el campo de concentración nazi de Bergen-Belsen (Alemania) y su hermano, en Mauthausen (Austria). Él luchó con el ejercito húngaro en el último tramo de la contienda.

Después impartió clases de música en el conservatorio de Budapest hasta 1956, cuando huyó a Austria cansado de las restricciones impuestas a la creacion por la dictadura comunista. "Mi vida durante la época nazi y el comunismo estuvo llena de riesgos. Creo que eso se refleja, ese sentimiento permanece", dijo.

Desde Austria viajó a Alemania. En Colonia quedó fascinado con la música electrónica experimental, colaborando de forma estrecha con otras figuras de la vanguardia como Pierre Boulez, Karlheinz Stockhausen y Luigi Nono.

Con su primera partitura sinfónica, Apparitions (1958-1959) y, sobre todo, con Atmosphéres (1961), que le dio la celebridad internacional, Ligeti abrió un mundo sonoro nuevo. Sus obras se cimentan en estructuras rítmicas que se sobreponen y reproducen una gran cantidad de sonidos homogéneos. Entre sus composiciones destacan Nouvelles aventures (1962-65) y la ópera Le grand macabre (1978), una pieza basada en una obra de teatro del absurdo con muchas referencias escatológicas, que tuvo una versión retocada en Salzburgo en 1997.

En las dos últimas décadas, Ligeti ha recibido un amplio reconocimiento por toda obra, que ha sido editada de forma integral. Las autoridades anunciaron ayer el ofrecimiento de una tumba especial en honor de "un gran austríaco en el mundo de la música del siglo XX".

Heraldo de Aragón publica una nota más breve de Agencia EFE:

"El compositor austríaco de origen húngaro Gyorgy Ligeti, fallecido ayer en Viena a los 83 años, fue uno de los autores y teóricos más importantes de la segunda mitad del siglo XX, conocido por el gran público por la inclusión de dos de sus composiciones en la banda sonora de la película "2001, una odisea del espacio".

Ligeti, un clásico de la música contemporánea y heredero del dodecafonismo, es considerado el máximo exponente de la música experimental electroacústica de la década de los años 60.

La plasticidad y capacidad evocadora de su música sedujo al realizador británico Stanley Kubrick, que utilizó su "Réquiem" (1965) y "Lux eterna" (1966) para crear el salto temporal más conocido y magistral de la historia del cine, el que al principio de "2001, una odisea del espacio" (1968) anuda el pasado de los grandes simios a la era espacial.

Nacido en Transilvania en 1923, en el seno de una familia judía de habla alemana, Ligeti se interesó muy joven por la música y empezó a tomar clases de piano. Ligeti desarrolló en sus obras estructuras rítmicas que se sobreponen y reproducen una gran cantidad de sonidos homogéneos, lo que se ha denominado como el principio de la composición de áreas de sonido."

En ninguna de las notas se menciona que Kubrick volvió sobre la música de Ligeti en su película "Eyes wide shut " en la que incluyó una pieza de su "Musica Ricercata" para piano, la segunda, en mi opinión lo mejor de toda la película, lo único que se salva y el único elemento que realmente "actúa" creando el ambiente que el   incomprensiblemente denominado "actor" Tom Cruise no consigue darle con su proverbial inexpresividad.

Por cierto hay que saber que el celebérrimo uso que Kubrick hizo de la música de Ligeti en "2001: una odisea en el espacio" ("Atmospheres", "Requiem" y "Lux Aeterna") fue sin permiso del autor y sin pagarle derechos por lo que Ligeti interpuso una demanda que ganó y supuso el desembolso por parte de Kubrick de la suma de 3.000 dólares.

Alberto González Lapuente, en ABC, escribe este artículo:

Muere Ligeti, vanguardia del siglo XX

Muere Ligeti, vanguardia del siglo XX
AFP Ligeti, en una imagen tomada en Francia en 2000
POR ALBERTO GONZÁLEZ LAPUENTE
György Ligeti ha muerto enfermizamente sano, saludablemente enfermo, pareciendo estar aquí y, al tiempo, asomándose al otro lado. Un poco como su música, ajena a cualquier propósito autobiográfico, pero inevitablemente cercana al deseo de ser un «rico vagabundo». El autorretrato es siempre una tentación inevitable, pues tiene a mano el modelo, aunque también el inconveniente de que todo cuanto se observa está invertido. La izquierda a la derecha, la derecha a la izquierda. Cierto y falso a la vez. No es de extrañar que las fotografías que quedan de Ligeti transmitan el brillo de la picardía, el pelo desordenado y una (media) sonrisa entre burlona y encantada. Han sido 83 años guiñando el ojo tras hacer la trampa, sin dejar de aprehender un nuevo truco sobre el que seguir sosteniendo sus obras. Al final una estructura fractal, la música del gamelán balinés, o la «Columna infinita» del Brancusi. Cualquier cosa.
Ligeti había nacido el 28 de mayo de 1923 en Tàrnaveni (Transilvania). En Klausenburg, la actual Cluj, comenzó los estudios de composición antes de trasladarse al conservatorio Franz Liszt de Budapest. La llegada de los años cincuenta coincide con la realización de varios trabajos sobre la música folclórica de su país. Con la reunión de canciones populares transilvanas asume los trabajos sobre el folclore que previamente habían realizado Kodály y Bartók. La manifestación culta de todo ello se plasmará en obras como el «Cuarteto núm. 1» (1954). Vendrán luego algunos años de trabajo en el conservatorio de Budapest, como profesor de armonía y contrapunto, y algunas obras que empiezan a herir la siempre prudente sensibilidad de la oficialidad, lo que le obliga a huir a Alemania coincidiendo con el levantamiento de 1956.
Reconocimiento internacional
Pero la residencia de Ligeti en Occidente tiene poco de acomodaticia. Tras trabajar junto a Stockhausen en el estudio de música electrónica de WDR, da a conocer la obra orquestal «Atmosphères» (1961), el primer gran eslabón hacia el reconocimiento internacional. La composición se difundirá ampliamente apoyada por el beneplácito del público, en un momento en el que se hace evidente el rechazo hacia los rigores de un serialismo que, por otra parte, manifiesta síntomas de agotamiento. «Atmosphères» descubre el juego con sólidos bloques sonoros, «clusters» internamente individualizados en multitud de voces cuya escucha es imperceptible pero cuyo efecto simula un constante movimiento interno dentro de un complejo que aparenta permanecer estacionario. Música hirviendo en el interior de un edificio aparentemente firme para la que Ligeti acuñará el término de micropolifonía.
Es entonces cuando el músico empieza a transgredir las dimensiones. En palabras propias: «Abolir el tiempo, detener su huida y aprisionarlo en el instante». No es extraño que partituras como el «Réquiem» (1965) y «Lux aeterna» (1966) sean, sin el permiso del compositor, parte de la banda sonora de la visionaria película de Stanley Kubrick «2001: Odisea en el espacio». Obras, por otra parte, que se divulgarán con mucho retraso en nuestro entorno. Hace tres años que la Orquesta Nacional de España proponía la primera audición española del «Réquiem», del mismo modo que la celebración del 80 cumpleaños del compositor, en ese mismo 2003, servía para conocer en directo su ópera «Aventures et Nouvelles aventures» (1965), en la que mil y un artefactos en juego se mezclan con gestos, exclamaciones y multiplicidad de sonidos invertebrados. Los elementos experimentales y una sorprendente variedad de técnicas vocales e instrumentales servirán también de base a la ópera «Le Grand Macabre» (1978), teatro del absurdo del absurdo con muchas referencias escatológicas y música singular desde el mismo preludio escrito para bocinas de coches.
A partir de los años 70, instalado en Viena, el estilo se hará más transparente y melódico, al tiempo que se empapa de complejas estructuras rítmicas, muchas de ellas sintetizadas a partir de la música africana. El último Ligeti sabe, como el primero, encontrar la inspiración en la música folclórica, aunque ahora al margen de cualquier frontera o condicionante estilístico. Buen resumen de todo ello son los «Études pour piano» (1985-2001), pues en ellos ya hay muchas cosas juntas, muchos «ligetis»: torrentes de notas, trepidaciones rítmicas, calladas atmósferas impresionistas y hasta elementos programáticos. Porque frente al fin de siglo Ligeti se instaló sin dogmas... y sin dejar de caminar por la cuerda floja. Su famoso poema sinfónico para 100 metrónomos lo explica muy bien: «Como si no hubiera principio ni fin en algo que ha comenzado eternamente y que continuará sonando para siempre, una ilusión».

György Ligeti y su música serán para muchos de nosotros compositores una Luz Eterna que iluminará nuestro camino.

II PREMIO INTERNACIONAL DE COMPOSICION MUSICAL

II PREMIO INTERNACIONAL DE COMPOSICION MUSICAL

El pasado día 30 de mayo se falló la segunda edición del concurso de composición convocado por la Universidad zaragozana. En esta ocasión, con una mayor difusión, ha atraído a la mesa del Jurado una treintena de obras venidas de diversos países. Las bases del mismo así como de las otras convocatorias de la Universidad se pueden consultar en la página www.unizar.es/cultura

El pasado año, primero de la vida del concurso, la vencedora fue una obra escrita por el zaragozano Antonio Salanova Alcalde titulada "Cercis" que fue interpretada en estreno absoluto por la Orquesta de Cámara del Auditorio de Zaragoza-Grupo Enigma dentro de la temporada de conciertos que acaba de finalizar (recientemente este concierto ha sido emitido por Radio Clásica de Radio Nacional de España).

En la presente edición ha resultado ganadora "Aus steigender Flüssigkeit..." del vizcaíno de Durango Jesús Eguiguren Echevarría que será estrenada en la próxima temporada de la orquesta del Auditorio.

El Jurado estaba constituído por Juan José Olives (Director de la Orquesta de Cámara del Auditorio de Zaragoza-Grupo Enigma y catedrático de dirección orquestal), Miguel Ángel Tapia (pianista y gerente del Auditorio de Zaragoza), José Manuel Montañés (profesor de Expresión Musical, Plástica y Corporal de la Universidad de Zaragoza, catedrático de composición y compositor), Jesús Rueda (profesor de composición musical y compositor) y Víctor Rebullida (compositor y crítico musical).

Enhorabuena al premiado y también al resto de participantes por el alto nivel de las obras presentadas.

COMPOSITORES Y CENTENARIOS

COMPOSITORES Y CENTENARIOS

Días atrás planteaba una lista complementaria de aniversarios diversos de compositores para que no todo quedara en torno al mercantilizado de Mozart. Bien, hace unos días me percaté de otro centenario de nacimiento que se cumple este año, el del compositor cubano Alejandro García Caturla de quien conociendo su vida y escuchando su obra pienso que se merece que ponga en este espacio un resumen de la misma.

Incluyo un texto de Jesús Risquet sobre García Caturla que plasma en pocas líneas su carácter, su personalidad y su breve vida, pues murió asesinado a la edad de 34 años.

"Alejandro García Caturla fue definido por el escritor Alejo Carpentier como el temperamento musical más rico y generoso que haya aparecido en la Isla. Alejandro García Caturla le profesó una gran amistad al autor de El Siglo de las luces.  

En carta al querido amigo, que data de julio de 1931 le decía: “La mejor noticia que puedo darte de mí es que trabajo todo el tiempo en mis obras”.  Esto pone de manifiesto la extraordinaria pasión de este creador de melodías tan conocidas como Mi mamá no quiere que yo baile el son y Danza del tambor.  

Nació Alejandro García Caturla en el año1906, el 7 de marzo, en la hermosa ciudad de Remedios, Villa Clara. Siendo aún muy pequeño y casi sin poder alcanzar el teclado, sentado en las piernas de su manejadora negra, reproducía en el piano las melodías que escuchaba. Luego se fue nutriendo de conocimientos durante su juventud mientras participaba en fiestas rituales afrocubanas en su ciudad natal. Su pasión por la música se hizo evidente desde entonces y por eso llegó a dominar fácilmente la técnica del violín.

La obra de Alejandro García Caturla es reconocida tanto en Cuba como en el exterior. Prodigiosa facilidad tenía para aprenderlo todo con extraordinaria facilidad, entre esto los idiomas y la abogacía. Para complacer a su padre estudió Leyes en la Universidad de La Habana, a la vez que continuaba realizando estudios de música, tratando de estar al día acerca de lo que en esos años —1925-1927— se hacía en Europa.  

La revista Social publicó la partitura de su Danza lucumí, que luego formó parte del tríptico orquestal Tres danzas cubanas.  

Era compositor, director de orquesta, violinista, arreglista…También era juez. Hombre refinado, de semblante irlandés había sentido siempre una atracción poderosa por lo negro, lo cual le acarreó no pocas incomprensiones entre aquellos que abogaban por un folklore de sociedad.

En 1927, al regresar a su ciudad natal tras graduarse de abogado, se dio a la tarea de fundar, animado por los mismos empeños musicales que movían a Carpentier y a Amadeo Roldán, con quienes había trabado amistad durante su estancia en La Habana, una Orquesta de Cámara en Remedios, entregado de lleno a tratar de llevar adelante un nuevo modo de hacer música.

 Sobre su telúrica personalidad  y su ingenio afirmó años atrás el conocido musicólogo Hilario González: Únicamente un genio puede componer así. Fue uno de los compositores vitales en la esencia y expresión nacional durante el siglo XX, al dejar piezas sinfónicas que rastrean y enriquecen el lenguaje de las raíces negras, españolas, populares y folklóricas de nuestro pueblo.

 La Orquesta de Cámara que fundó estrenó en abril de 1927 su Obertura cubana, obra enraizada en lo más puro de la música cubana. Al calor del influjo que ejercían los minoristas con sus postulados renovadores, a algunos de cuyos miembros pudo conocer mientras estudiaba en La Habana. 

 En octubre de 1927, fundó en Remedios, un pequeño periódico, de vida efímera, titulado precisamente Los minoristas. Sólo apareció un número, en el cual vio la luz su primera crítica musical.  

A García Caturla le tocó vivir en una época marcada por la sociedad dividida en clases, a la cual se enfrentó todo el tiempo con singular pasión, la misma con que se enfrentó a las limitaciones reaccionarias, con gran coraje. Se manifestaba siempre muy independiente en todos los actos de la vida. Hombre de un pensamiento muy avanzado, desafió los prejuicios burgueses de entonces y se casó con una mujer negra, a la cual profesó un amor muy especial. 

En su libro La música en Cuba, Alejo Carpentier dijo de García Caturla: Dotado de verdadero genio, su potencia creadora se manifestó desde la adolescencia en una serie de obras vehementes, dinámicas, incontrolables en su expresión como una fuerza telúrica.

Fue violinista de las Orquestas Sinfónica y Filarmónica de La Habana, y en Caibarién fundó la Sociedad de Conciertos, desde donde divulgó la obra de músicos como Debussy, Rabel y Falla.

 El día 12 de noviembre de 1940 fue asesinado, a los 34 años de edad, por alguien a quien horas más tarde debía condenar, que con dos disparos a quemarropa puso fin a la vida del genial exponente de la música cubana.  

Su arte es una síntesis de nacionalidad y universalidad, de tradición y actualidad. Mezcló sabiamente los postulados de la vanguardia musical europea con los ritmos cubanos. Las obras sinfónicas de Caturla han sido ejecutadas por orquestas significativas de distintos países bajo la dirección de prestigiosos directores. 

Un mayor conocimiento del autor de Danza del tambor, Motivos de Danza y La Berceuse campesina puede ser ampliado con la lectura del texto Alejandro García Caturla escrito por María Antonieta Henríquez."

MUSICA PARA NIÑOS HECHA POR ADULTOS

MUSICA PARA NIÑOS HECHA POR ADULTOS

Ayer se vivió en el Auditorio de Música una velada musical cargada de candor y emotividad. La orquesta residente, el Grupo Enigma-OCAZ, planteaba con su titular Juan José Olives al frente, un programa dedicado a la música escrita en el entorno del mundo infantil.

Comenzando con la versión de Rudolf Maros para orquesta de cuerdas de las “Diez piezas para niños” de Bela Bartok, versión que gusta pero que personalmente no siento que aporte nada a la versión pianística original y que, puestos a orquestarlas, clamarían por un aporte de color mediante una más rica instrumentación (existen otras versiones de esta guisa), y siguiendo con el “Concertino para clarinete y orquesta de cuerdas”, del húngaro Matyas Seiber, transcurrió la primera parte del concierto. Este Concertino contó con la joven pero reconocida clarinetista menorquina Ona Cardona (ganadora  del Tercer Certamen Nacional de Interpretación Intercentros) que se movió a sus anchas por una obra clara, entretenida, con un segundo movimiento lento denominado “Variazioni Semplici” sobre un tema de carácter húngaro que me parece de lo mejor de la obra, con un acompañamiento de la cuerda soberbio en su sencillez. A otros les gustaron más los movimientos rítmicos y veloces, pero para gustos están los colores. Seyber nació en Hungría, fue amigo de Bartok y junto con éste, estuvo de discípulo de Zoltan Kodaly. Trasladó su residencia a Inglaterra y falleció en 1960 en un accidente de coche en Sudáfrica. El pasado año se cumplió el centenario de su nacimiento.

Y aquí comienza la parte emotiva de la tarde. Contamos con la presencia de la hija de Seyber expresamente venida de Cambridge, su residencia, para asistir al concierto. Todo un honor para la orquesta y los presentes, y también para el Auditorio aunque pareció pasar desapercibida su presencia para los representantes de esa Casa. Pero la mayor emoción radicaba en el estreno de la versión orquestal de un servidor de las “Piezas sobre temas populares infantiles españoles” del fallecido autor de Moyuela (Zaragoza) Angel Oliver Pina. Escritas para piano, a propuesta de Juan José Olives y como pequeño homenaje a su autor, orquesté (alguien podrá acusarme de lo mismo que yo he dicho de Maros y la obra de Bartok) estas quince piezas aunque por imperativos de duración tan solo se interpretaron diez de ellas en esta ocasión. Como decía, el climax emotivo fue contar con la presencia de Mari Paz, la viuda de Angel, a quien hicimos salir al escenario para mayor emoción suya, acogida por los calurosísimos aplausos de los asistentes (sala llena y cartel de “No hay entradas” desde hace días) y un inevitable nudo en la garganta recordando que hace escasamente un año, en ese mismo lugar, recibía Oliver los aplausos por su intervención en la obra colectiva “Lecturas del Quijote”. Después, recordábamos esa cena en el mismo restaurante italiano en el que estábamos, con un Angel emocionado y también fatigado por su dolencia pocas fechas antes de su fallecimiento. Perdimos un gran compositor, un gran intérprete, un gran pedagogo, pero sobretodo un gran amigo.

Tras este momento de recuerdo y homenaje, la orquesta acompañó al coro infantil Amici Musicae del Auditorio en el estreno de la obra “Canciones populares aragonesas” de Maximiano Martínez Caño, especie de Fantasía en tres partes sobre temas del acerbo musical tradicional recopilado en los cancioneros aragoneses. Magistral la actuación de los pequeños y el trabajo realizado con ellos por su directora Isabel Solano y sus colaboradores. Fue encantador ver qué se puede hacer con un trabajo bien dirigido. La obra está escrita pensando en un público no necesariamente melómano y resulta accesible para todo el mundo y también para los más pequeños. No es fácil, sobretodo la parte coral, llena de dificultades para una agrupación de puericantores y no una escolanía más bregada en los cantos polifónicos. Los chavales (más bien las chavalillas, porque chicos, pocos) volaron a una altura profesional, incluso Olives, sintiéndose agusto con ellos y viendo que le seguian rizo el rizo haciéndo alguna filigrana expresiva de alto riesgo salvada cum laude.

A continuación incluyo el texto que escribí para el programa de mano referente a Angel Oliver y las piezas interpretadas en el que rectifico –por cariñosa reprimenda de su viuda- la fecha que figuraba de su muerte, 26 de febrero, por la correcta, un día antes.

 
Ángel Oliver Pina nació un 2 de enero de 1937 en Moyuela (Zaragoza) y tristemente le perdimos el 25 de abril de 2005. Pianista, organista, docente, y ante todo compositor, estableció su residencia en Madrid desde donde desarrolló tanto su vertiente creadora como pedagógica aunque no cedió por éllo su vínculo con Aragón y con su localidad natal la cual no ha ahorrado en vida de su hijo generosidad en homenajes y dedicatorias. Ángel Oliver asistió en los últimos años a la reivindicación de su obra por la Orquesta de Cámara del Auditorio de Zaragoza-Grupo Enigma y su director Juan José Olives que incluyeron alguna de sus más importantes obras en sus programas y estrenando otras que le fueron encargadas ex profeso. La titulada “Omaggio” se incluyó en el compacto “Compositores Aragoneses”, interpretado por la OCAZ-Grupo Enigma quienes han grabado otro disco dedicado íntegramente a las obras de Oliver. A su vez el pianista Albert Nieto registraba la totalidad de la obra para piano del autor en un disco en el que se encuentra incluida la versión original de las piezas ahora orquestadas.
La última vez que Ángel Oliver estuvo presente en esta misma sala fue con motivo de la interpretación de “Lecturas del Quijote” una de cuyas partes compuso y que fue estrenada en enero de 2005. Fue éste uno de sus últimos trabajos junto a la revisión crítica de la partitura íntegra de la ópera de Tomás Bretón “La Dolores” que produjo el Teatro Real.
Era un compositor muy querido por quienes desde aquí nos dedicamos a la creación musical. Respetado y admirado tanto por su oficio como por su persona, nos sentimos agradecidos por su enseñanza y su amistad. Modesto, concienzudo, constante y coherente en su carrera compositiva, se mantuvo discretamente apartado de grupos y tendencias siguiendo una línea estética al margen de la vanguardia radical pero buscando siempre un lenguaje personal que tendía hacia un modernismo muy influenciado por su período de estudio en Roma con Goffredo Petrassi.
Cuando Juan José Olives me planteó la posibilidad de adaptar a la orquesta una de sus obras más populares, los dos libros de las “Piezas sobre temas populares infantiles españoles” que Oliver escribió para piano, no tuve la menor duda de que éste podía ser un hermoso homenaje rendido a través de la música popular y para niños, mundos a los que tan próximo estaba, sirva si no de muestra su participación durante los años ochenta en la elaboración de libros para la educación infantil “Bigulín”, “Chis-Chás” y “Cascabillo”, sus diversos tratados teóricos y, en general, la docencia impartida desde su Cátedra en la Escuela de Magisterio de Guadalajara, de la Universidad de Alcalá de Henares, el período que ejerció como profesor del Conservatorio de Madrid y últimamente en la Escuela de Música Reina Sofía.
Las piezas -que fueron editadas como “Piezas infantiles sobre temas populares españoles” y que me he permitido la que considero más adecuada reubicación de la acepción “infantiles” en el título- fueron compuestas entre 1976 y 1979 y se hallan distribuídas en dos libros con un total de quince canciones de muy breve duración –en torno al minuto-. El primer volumen, con las seis primeras canciones, está dedicado a los hijos de Ángel Oliver y el segundo, con las nueve restantes, a varios jóvenes pianistas. Están tratadas con bastante libertad y riqueza armónica y rítmica. Si en unas el tema es plenamente reconocible y atraviesa la pieza de comienzo a final en otras permanece más oculto, metamorfoseado, y tan apenas se escucha una sola vez. Engañosamente sencillas, requieren un dominio elevado del teclado en su versión pianística. El resultado son unas piezas muy concentradas y de gran frescura cuya brevedad hace desear la escucha repetida de cada una de ellas.
A la hora de transcribirlas para una orquesta de cámara he respetado escrupulosamente la concepción y escritura del autor intentando resaltar aquellas líneas, ritmos y armonías que en el piano resultan más difíciles de obtener por la propia idiosincrasia del instrumento, buscando la potenciación del abanico tímbrico que Oliver demanda al teclado.
Hago uso de un orgánico estándar formado por un quinteto de viento en el que el flautista también emplea piccolo y el oboísta recurre al corno inglés, un conjunto de cuerda no muy grande, arpa, piano y un percusionista que se sirve de un reducido número de instrumentos, todo ello encaminado a evitar el enturbiamiento y merma de ligereza que una formación mayor podría provocar, procurando que a pesar de la riqueza cromática de las distintas piezas, hubiese una homogeneidad tímbrica que no dispersase la obra y contribuyera a mantener la unidad de conjunto que tiene la versión original.

Terminaré haciéndo una llamada de atención: El oyente no debe olvidar que la música que escucha es de Ángel Oliver y la instrumentación no es más que una labor de resaltado y perfilado de aquélla, una puesta en relieve del minucioso trabajo de orfebrería que Oliver aplicó a la composición de estas piezas.

(*) En la foto, Maximiano Martínez portando uno de sus galardones